PATAX es a día de hoy la banda de fusión más prominente de España, y ya un proyecto conocido en todo el mundo. Con más de 84.000 seguidores en Facebook y 22 millones de visitas en Youtube, Patax sigue una trayectoria imparable.
Partiendo del glorioso legado de leyendas del Jazz como Weather Report, Corea’s Elektric Band, Herbie Hancock, Sixun o Zawinul Syndicate, y la poderosa influencia de los visionarios y multicolores sonidos de Irakere, Wayne Shorter, Miles Davis, Hermeto Pascoal y Paco de Lucía, PATAX conducen el concepto “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde la comunicación física entre el Flamenco, el Funk y el Ritmo Afrocubano es la clave de sus complejas, explosivas y mágicas atmósferas.
Sorprende, de entrada, ver a un percusionista asumiendo el papel de compositor y director de una Big Band… pero con Jorge Pérez, cerebro y motor de esta aventura, realmente se rompió el molde. Jorge es un hombre tras una IDEA; un nuevo concepto que en el que cohabiten Flamenco, Funk y Latin Jazz, con plena consciencia de sus respectivas esencias e identidades, y desde una perspectiva rabiosamente contemporánea. Una meta ambiciosa que requiere talento, decisión, tenacidad… y un grupo de músicos extraordinarios, capaces de llegar a donde la mayoría no sabe, no puede, o no se atreve…
Nace en Sevilla en 1978. Desde muy pequeño se dedica al arte, debutando en el Teatro Lope de Vega de Sevilla a la edad de diecisiete años, cantando para el baile de “La Chunga”. Discográficamente ha colaborado con el conocido grupo, que revolucionó el mundo de las sevillanas, “Cantores de Híspalis”. Posteriormente en un disco que grabó su padre, para la compañía Horus, una vez abandona el mencionado grupo, con el título “Sus recuerdos para mí”.
Útimamente ha colaborado en el disco llamado “Que te vaya bonito. Un tributo a México” para Warner Music como homenaje a Juan Gabriel y en el especial dedicado a Rocío Jurado que se denominó “Rocío Siempre” para TV1 que pasó a recogerse posteriormente en DVD y CD bajo el sello de Sony&Bmg.
Falete ha sido un descubrimiento de Jesús Quintero al mundo. En palabras, de Quintero “Falete siente como un artista, sueña como un artista, ama como un artista, sufre como un artista. Vive por el arte y para el arte. En él no hay fronteras entre el arte y la vida, son la misma cosa. Falete impresiona. Impresiona al público que siente que está ante alguien grande de verdad,2único, distinto, auténtico, y que le tiran flores y hasta joyas cuando interpreta esos clásicos que en su poderosa y caliente voz suenan nuevos. Impresiona a los críticos que tienen que rendirse a su quejío flamenco y universal”.
De la mano de su mecenas, graba su primer disco en solitario, “AMAR DUELE”. Temas de José Alfredo Jiménez, Manuel Alejandro, Catalina Curet, M. de Fernando, Ybette Marchand,… y una voz, la de Falete, que traspasa el alma.
Lo que se dice sobre Falete:
Jesús Quintero define a Falete como “Una perfecta máquina de cantar, pero con todo el sentimiento que le faltan a las máquinas”.
Manuel Machado “A todos nos han cantado, en una noche de juerga, coplas que nos han matado…”
Ketama fue un grupo musical gitano español de flamenco‐fusión. Formado originalmente a principios de la década de los 80 por José Soto “Sorderita” (1961), RayHeredia (1963‐1991) y Juan José Carmona Amaya “El Camborio” (1960). Posteriormente, los dos primeros abandonaron el grupo, completándose con la entrada de Antonio Carmona Amaya (1965) y José Miguel Carmona Niño “Josemi” (1971), hermano y primo respectivamente de Juan José.
Ketama representó, hasta su disolución en 2004, uno de los representantes másdestacados del denominado “Nuevo flamenco”.
Primeros discos
Su primer trabajo, de nombre Ketama, aunque grabado durante 1983, fue editado dos años después, colocándoles en el grupo de los denominados “Nuevos Flamencos”, introduciéndose por primera vez en las músicas de raíz iberoamericana (menos orientados a las influencias blues de Pata Negra). Cuentan con las colaboraciones de Pepe Habichuela, Carlos Benavent y Teo Cardalda. Pero las disensiones internas hacen mella en el grupo, y en vísperas de la publicación de su segundo trabajo, Ray Heredia lo deja para iniciar una carrera en solitario con un disco publicado en 1991, quien no corre vuela, y que se vio truncada tras su muerte ese mismo año. En Ketama fue sustituido por Antonio Carmona como vocalista.
También ingresó en el grupo Josemi Carmona, ex integrante de La Barbería del Sur, cuando contaba con dieciséis años de edad.Con ambos Ketama publica su segundo trabajo, “La pipa de Kif”. Posteriormente, por diferencias tanto musicales como de proyección del grupo, lo dejaría José Soto “Sorderita” también para iniciar su carrera en solitario.
En 1988 apareció “Songhai”, una fusión flamenca con la kora africana del músicoToumani Diabaté, que se había gestado en 1985 cuando el grupo tocó en Londres. Con este trabajo obtuvieron cierto reconocimiento internacional, apareciendo críticas enThe Times y The Internacional Herald Tribune, y siendo elegido el disco por la revista New Musical Express como el mejor disco extranjero del año.
Su siguiente trabajo, “Y es ke me han kambiao los tiempos“ (1990), se grabó durante la gira europea del grupo, y en él Ketama llega a la fusión definitiva de salsa y rumba. Sólo uno de los temas del disco está firmado por el grupo: la rumba Kalikeño, rebautizada posteriormente como “No estamos lokos”. Los restantes están firmados por los diferentes miembros del grupo, uno a uno o en parejas. Fue el primer disco autoproducido, y su éxito les llevó a actuar como teloneros de Prince en su gira por España.
En 1992 apareció “Pa’ gente con alma”, disco homenaje a Ray Heredia, ya desaparecido. La lista de colaboraciones incluye a Michel Camilo, y a José el Francés. Este trabajo reveló las profundas diferencias existentes por aquel entonces entre los Carmona y Sorderita, que ni siquiera estuvo en la presentación del disco. En 1993 Ketama, ya sin Sorderita, retornó a sus raíces flamencas con “El arte de lo invisible” ; en 1994 volverían las influencias africanas con “Songhai”.
El mayor éxito: “De akí a Ketama” (1995), grabado en directo en los Estudios Cinearte de Madrid, con una selección de su repertorio y la participación, entre otros, de Antonio Canales, Antonio Vega, Juañares, Las Chamorro y Antonio Flores, quien fallecería poco después. Ketama dejaron entonces de ser artistas de culto y se consolidaron como los máximos representantes del flamenco‐fusión, cercano enocasiones al pop. Más de un millón de copias vendidas, Premio Ondas al Mejor Álbum (1995), Premio Ondas al Mejor Grupo Español (1996) y Premio de la Música en la categoría de Mejor Canción del año 96 por “No estamos lokos”.
Últimos discos y separación del grupo
Tres años después, Ketama retomaría su carrera con “Dame la mano”, disco en el que se incluyen influencias provenientes del hip hop y de house, de nuevo colaboraría Drexler. El disco incluía un DVD con una fiesta flamenca protagonizada por los Habichuela en pleno, con invitados como; Rosario Flores, Niña Pastori, Las Chamorro y Sorderita.
El último disco del grupo sería “20 pa’ Ketama”. Coincidiendo con su vigésimo aniversario, el grupo se disolvió. El disco suponía un resumen de su discografía, en el que se incluían también una selección de duetos y colaboraciones (grabaciones inéditas junto a Rubén Rada e Ivete Sangalo o ya conocidas con Antonio Flores, DiegoTorres y Antonio Vega).
Nacido en La Habana, cursó estudios de nivel elemental, medio y superior de piano clásico y cubano, percusión clásica y cubana, composición, orquestación y dirección de conjuntos musicales, en la escuela provincial de música «Amadeo Roldán» y la ENA, – Escuela Nacional de Arte– de La Habana.
Con tan solo 15 años, ya era reclamado para tocar con los artistas más importantes de Cuba., y a los 17, realiza su primera gira internacional.
En 1987, graba un CD en vivo, mano a mano con su amigo y reconocido pianista, Gonzalo Rubalcaba en el programa Mi salsa entre músicos, en La Habana, que fue editado en Barcelona al año siguiente.
El diario español de tirada nacional El PAIS, y la crítica especializada de la UK Jazz Magazinelo sitúan como el creador de la mejor Jam Session de toda Europa en el mítico Café Berlín de Madrid entre los años 2003 a 2005. Es uno de los pianistas más reconocidos de Cuba en la actualidad a nivel nacional e internacional y ha sido reconocido por el maestro Chucho Valdés como uno de sus preferidos.
Nació en Sevilla 1986, creció entre la Alameda de Hércules y el Aljarafe sevillano, rodeada de artistas. A los 11 años comenzó su formación musical en el Conservatorio Elemental de Triana; posteriormente comenzó el Grado Medio con 15 años en el Conservatorio Profesional “Cristobal de Morales” de Sevilla, y por último, con 17 años, saltándose 4 cursos, comenzó el Grado Superior en la especialidad de Flamencología en Córdoba.
En Marzo del 2008 publica su primer material discográfico con 21 años. Con Su primer disco “El callejón del agua”, triunfa en Madrid en el Teatro Lara, el Teatro Español y el Teatro Madrid, así como en variedad de teatros y salas de España.Fuera de nuestras fronteras, actúa en Francia en “Planete Andalucía”, en Colombia, Suecia, Noruega, Italia, Costa Rica. Se convierte en la primera pianista flamenca en lanzar al mercado un material compuesto e interpretado por ella misma.“El callejón del agua” recibió en 2009 la nominación a la XIII Edición de Premios de la Música como mejor Álbum de Flamenco y fue finalista en los Premios Flamenco Hoy 2009 en la modalidad “Mejor disco Instrumental”.
Grandes personalidades del arte flamenco han contado con ella como invitada en sus espectáculos: Calixto Sánchez, Nano de Jerez, El Polaco, Juan Valderrama, entre otros muchos. Y en julio de 2011 el artista colombiano Juanes, la citó en uno de sus conciertos de gira en España para declararle la admiración que siente por su forma de tocar el piano. Nuevamente citada por Juanes en Octubre del 2012 para hablar de su nuevo trabajo discográfico, la invitó a tocar junto a él en el escenario.Su segundo trabajo discográfico, “Mi Nueva Esperanza”, lanzado el 20 de mayo de 2014, ha tenido desde su estreno una gran repercusión. Juanes, gran admirador de la artista, se hacía eco de su primer videoclip y lo compartía en sus rrss.
Le suceden actuaciones en todo en diferentes puntos de España… teatros como El López de Ayala de Badajoz, salas como Clamores en Madrid, festivales como el Festival de las Naciones de Sevilla (ediciones 2017 y la próxima en Octubre 2018), actuaciones en galas, eventos privados…, inaugurando el 1 de Septiembre de 2018, el Festival Internacional de Piano de Antalya (Turquía).
En la actualidad, combina proyectos propios con colaboraciones con otros artistas, como con Cheché Álvarez en un espectáculo homenaje a grandes artistas del cine o con el baterista y percusionista Joaquín Migallón (baterista de Rosana y Manuel Carrasco).
Laura es de esas artistas cuyo impulso creativo y ansias de descubrimiento le llevan por nuevos derroteros artísticos. Así, encaminada a lanzar un tercer álbum, profundiza en su faceta como cantautora y proyecta nuevas composiciones más actuales, pero sin dejar de lado la flamencura que la caracteriza.
Nacido en Madrid, España en 1984, comenzó estudios a la edad de 14 años en la escuela de música “Maestro Gombau”, en Madrid. A la edad de 16 años realiza su primer debut en una serie de festivales de flamenco llamado “Los Almaizares“, tocando con José de Luna. Es alumno del más reconocido jugador de Cajón y percusionista de flamenco “El Piraña“. También Lucky Losada, Ramón Porrina y Sabú.
Al mismo tiempo que crecía en flamenco, estaba tomando lecciones afrocubanas con Miguel “Anga” Díaz, el multipercusionista Pepe Espinosa, el cantante y percusionista Pedro “pedrito” Martínez, José Luis Quintana “Changuito”, Tata Guines, Giovanni Hidalgo y mucho más.
Estudió en Cuba con el percusionista de Chucho valdes Yaroldi Abreuy con Adonis Pantery los percusionistas del grupo Yoruba Andabo. La forma más inspiradora para su música es el multiinstrumentista y bajista Alain Perez (Grupo Paco de Lucía), también su maestro.
En el camino del flamenco más puro, estudió en Amor de Dios (Escuela de Flamenco de Madrid) tomando el ritmo de la parte más interesante del flamenco … “La danza“, y desarrollando eso en el CAJÓN … Comenzando a actuar Con los bailarines de flamenco rítmicamente virtuosos como Alfonso Losa, Niño de los reyes, Juan de Juan, Antonio y Manuel Reyes, Antonio Canales y mucho más.
También sabe tambores africanos, Bata, Djembe, Dum Dum, percusión brasileña, afroperuana y música hindú, lo que le deja el espacio para mezclar culturas.
Ha estado tocando con todo este increíble artista de jazz, flamenco y músicas del mundo como:
Alain Pérez, Richard Bona, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Antonio Rey, Antonio Serrano, Javier Limón, Antonio Canales, Jerry González, Montse Cortés, Javier Massó Caramelo, Tino di GeraldoEnrique Heredia “El negri”, Israel Fernández, Rafael Amargo, Rojas &Rodríguez, Cristóbal Reyes y Juana Amaya, Amador Rojas, Agustín Carbonell “El Bola”, Lara Bello, Sandra Carrasco, Dan Ben Lior, Paco Cruz, Nino de los Reyes La Talegona, David Paniagua y Sonia Olla, Javier Colina, Diego Guerrero, Rycardo Moreno, Aleph (Libano), Yelsy Heredia, Pete Lockett, Yuri Juárez.
Nacido el 2 de septiembre de 1980 en Florham Park, Nueva Jersey, Estados Unidos. Mark Guiliana es baterista, compositor, educador, productor y fundador de Beat Music Productions; a través del cual lanzó My Life Starts Now y Beat Music: The Los Angeles Improvisations, como director de orquesta.
Su enfoque conceptual para el instrumento también se presenta en Mehliana, el dúo eléctrico con Brad Mehldau en teclados y sintetizadores. El álbum debut del grupo, Taming the Dragon (Nonesuch), fue lanzado a principios de 2014.
Durante la última década, la extensa gira de Guiliana lo ha llevado por seis continentes con artistas como: Meshell Ndegeocello, Gretchen Parlato, Avishai Cohen, David Bowie, Matisyahu, Lionel Loueke, Now vs. Now, Dhafer Youssef y sus propios grupos, Beat Music y Heernt.
Mark Guiliana ha aparecido en más de 30 grabaciones hasta la fecha. Guiliana ha sido descrito por el New York Times como “un baterista alrededor del cual se ha formado un culto de admiración“, mientras que Time Out London escribe: “Qué pasa cuando le sumas a los maestros de la batería hard bop, Elvin Jones y Art Blakey, una caja de ritmo Roland 808 de los ‘80, divides el resultado por J Dilla y luego lo multiplicas por la energía de Squarepusher? Respuesta: Mark Guiliana”.
Directora, bailarina, coreógrafa.
Compañía de danza española fundada en enero de 2012 por Irene Rodríguez, quien es la directora artística, primera bailarina, coreógrafa y directora general de la compañía.
Irene Rodríguez nace en agosto de 1982 en La Habana, Cuba. Empezó a estudiar danza española en la Sociedad Cultural Española “Centro Andaluz” de La Habana y posteriormente empezó tomar clases con la compañía profesional de “El Ballet Español de Cuba”. En 1999, después de cinco años de estudio se graduó en la Academia Nacional de Formación Profesional de Danza Española. Como parte de su formación profesional ha participado en talleres, cursos y clases magistrales por los bailarines españoles más relevantes y coreógrafos en Cuba, España y México.
En su trayectoria profesional ha sido profesora de Técnica del Flamenco, de Escuela Bolera, de Castañuelas y de Repertorio en la Unidad Artístico Docente del Ballet Español de Cuba perteneciente a la Escuela Nacional de Arte(ENA) así como ensayadora y coreógrafa. Ha participado en los eventos culturales más importantes de Cuba. Domina el Inglés y francés, y está calificada en ambos idiomas.
La compañía está compuesta por diez bailarines, cinco hombres y cinco mujeres. Su primera presentación fue en el Teatro Astral, frente al público que asistía a la Gala de la entrega de los Premios Caricato de la UNEAC en 2012. Llevaba solo unas semanas de ser fundada la compañía y realizaron su primera presentación frente a actores y actrices nacionales de diversos géneros. El resultado no pudo ser mejor, recibió una gran acogida con aplausos y ovaciones del público en general.
Su repertorio nos brinda los elementos clásicos de las danzas hispanas, e incorpora además, detalles contemporáneos.
Banda de Timba y Jazz cubana dirigida y fundada por uno de los grandes trompetistas, cantante, compositor, arreglista y maestros cubano, Alexander Abreu en 2008.
Alexander Abreu nacido en Cienfuegos, Cuba, el 06 de septiembre de 1976. Comenzó a tocar la trompeta a los 10 años. Durante el período de su formación secundaria formo parte en el grupo Ismaelillo y en una agrupación vocal dirigida por Rosa Campos.
Más adelante se trasladó a La Habana para completar sus estudios secundarios en La Escuela Nacional de Arte, en el cual obtuvo el título de “Profesor de trompeta”.
También fue invitado al Conservatorio RMC en Copenhague, Dinamarca para impartir clases magistrales de jazz y música cubana. Posteriormente fue trompetista en la Orquesta Sinfónica de Cuba y en muchos grupos de salsa y timba entre ellos: Irakere, Team Cuba, Latin Groove Orquesta, Omara Portuondo, Paulo FG, Issac Delgado, Augusto Enríquez, Gerardo Alfonso, Carlos Manuel y Su clan, Manolín El Médico de la Salsa , Danson, Mamborama Orquesta, Los Van Van, Pablo Milanés.
En 2000 “Timba.com”, una de las páginas más importantes de salsa en el mundo, realizó una encuesta en la que se le concedió el título de Mejor Trompetista de Timba entre una gran selección de artistas como; Elpidio Chapotin, Carmelo Andrés, Juan Munguía, Julio Padrón, entre otros.
Al año siguiente, su participación en el CD La Rumba Soy Yo en colaboración de varios artistas; Muñequitos de Matanzas, Haila Mompié, Yoruba Andabo, Clave y Guaganco, Sixto Llorente, Mayito, Tata Güines, Changuito, Los Papines, Issac Delgado, Aramis Galindo, Lazaro Dagoberto, Alejandro Valdés, Amed Medina, le valió los Premios Latin Grammy.
En 2008 decidió fundar el grupo Habana D’Primera. Su primera presentación tuvo lugar el 4 de octubre de 2008 en el Cabaret Turquino del Hotel Habana Libre en La Habana.
La banda está influenciada en gran parte por compositores como Chucho Valdés, José Luis Cortés, Adalberto Álvarez, Juan Formell, entre otros.
Los miembros de Havana D’Primera cuentan con un gran prestigio y amplia trayectoria, los cuales son:
• Amaury Pérez Rodríguez: trombón y coros.
• Aníbal Zurbarán Leonard.
• Aniel Tamayo Mestre.
•Bernardo Antonio Rodríguez Hernández: piano.
•Rogelio Nápoles Collazo: guitarra.
•Carlos Alberto Nogera Lara.
•Carlos Luis Álvarez Guerra: trombón.
•Enrique Luis Pérez Prieto: voz y coros.
•Guillermo del Toro Varela: congas y bongó.
•Harold Díaz Escobar: teclados, productor, compositor y arreglista.
•Jannier Rodríguez Miyan: voz y percusión menor.
•Keisel Jiménez Leyva.
•Orlando Jesús Vásquez Peña: trompeta.
•Raúl Tobías Gil García.
•Uyuni Martínez Romero. Yosvel Alexei Bernal Pina.
•Yosvel Alexei Bernal Pina
También conocidos como “Juan Formell y Los Van Van”, la agrupación de mayor éxito en la historia de la música popular cubana.
Juan Formell, que incursionó como contrabajista en varios grupo de son y jazz, entre ellos cabe destacar su paso por La Orquesta Revé, el cual marcó gran parte el estilo que buscaba. Tras abandonar esta, decide formar su propia agrupación junto a otro miembro de la misma orquesta, el pianista César “Pupy” Pedroso. Iniciaron su andadura el 04 de diciembre de 1969.
“Los Van Van”, fueron la primera agrupación cubana en utilizar sintetizador. Conocidos por crear nuevos sonidos, utilizando instrumentos como la percusión, que de una forma original e insuperable dio paso a la creación del SONGO, en el cual añaden elementos tomados del jazz y el rock dando como resultado timbres armónicos y melódicos nuevos. José Luis Quintana (Changuito), Raúl Cárdenas (el Yulo), César Pedroso (Pupi), Fernando Leyva, Jesús Linares, Orlando Canto, José Luis Cortés (El tosco), Julio Noroña, Gerardo Miró, William Sánchez, José Luis Martínez y Miguel Ángel Rasalps (el Lele), junto a su Director, exploraron todas las formas posibles y llegaron a este ritmo que se convierte en la base de su sonoridad.
A finales de los años 70 empezaron a grabar sus primeros cinco discos y debutando en escenarios internacionales.
“Los Van Van”, siguieron su trayectoria y cambiaron su propio estilo, convirtieron en los precursores del género que se dio a conocer como timba, tanto en la isla y en el mundo mucho antes de que otros grandes grupos de timba como; La Charanga Habanera y NG La Banda.
En el año 2000, después de algo más de 30 años de trabajo, recibieron El Premio Grammy por Mejor Álbum de Salsa “Van Van is here” o“Llegó Van Van”.
Los miembros actuales son:
- Samuel Formell (Director)
- Abdel Rasalps (Vocal)
- Roberto Hernández “Roberton” (Vocal)
- Vanessa Formel (Vocal)
- Pedro Fajardo (Violín)
- Hugo Morejón (Trombón)
- Álvaro Collado (Trombón)
- Irving Frontela (Violín)
- Julio Noroña (Guira)
- Armando Ihosvany (Voz)
- Yoel Cuesta (Congas)
- Jorge Leliebre (Flauta-Coros)
- Edmundo Pina (Trombón)
- Arnaldo Jimenez (Bajo)
- Boris Luna (Teclado)
Camagüeyano de nacimiento, compositor, arreglista y virtuoso pianista, se convirtió en músico profesional a los 15 años, en un país tan musical como Cuba, donde todos pueden estudiar gratuitamente en las escuelas de arte, entre los que él representa una excepción, porque ha sido un autodidacta neto.
Es con la Orquesta Maravillas de Florida que llegó a ser conocido. Cuando comenzó en la orquesta tenía un estilo muy similar al de la Aragón. En aquel momento, las charangas poseían elementos que las identificaban mucho como tal. Desde esa época, y gracias a la ayuda de los músicos del grupo, trató de crear un nuevo estilo que se divorció completamente de otros como el de la Original de Manzanillo o la Aliamén.
Aunque Maravillas de Florida siempre tuvo su identificación con el público, lo novedoso fue una imitación a los metales con los violines, todos lo hacían, pero cada cual a su manera y afortunadamente logró una forma que gustó. En 1993 forma su propia banda con el nombre de Manolito Simonet y su Trabuco. Mezcla la música cubana tradicional con armonías contemporáneas y diferentes géneros: guaracha, bolero, chachacha, danzón y timba, entre otros.
El Trabuco tiene su sonoridad, tiene un poco de Juan Formell, Adalberto Álvarez, las orquestas charangueras, y también de lo que se hace en Puerto Rico. Al final todo eso logra conformar un estilo que es el Trabuco. Manolito Simonet produjo el nuevo CD de Waldo Mendoza que es un gran intérprete, así como la producción del fonograma homenaje a Lilí Martínez Griñán, expianista del Conjunto Chappottín, y en el que intervinieron Mayito Rivera y Laíto; y el disco Estrellas de Areíto, con varios cantantes de agrupaciones como Van Van, Las Anacaonas, Sexto Sentido, NG La Banda y otros. Ha realizado la misma labor para solistas como Virginia (excantante de Los Surik), Lázaro Miguel (excantante de Manguaré) y participó en la producción de Buscando la melodía, fonograma dedicado a Benny Moré, donde cantaron aquellos del concurso Buscando el sonero, del programa televisivo Mi salsa.
En el extranjero colaboró con Parera, productor de Plácido Domingo y Luciano Pavarotti; en la placa de Los Sabandeños de España, y también en la del grupo JackieFamily de Holanda. Realiza además todas las producciones de sus discos. Es una celebridad en toda Europa, considerado entre los autores de éxito más prolífero también en la música salsa producida en los Estados Unidos. En efecto, en 1999 ganó el prestigiosísimo Premio Ascap con el tema El Águila, cantado por Víctor Manuel, pero pocas personas saben que Manolito Simonet también fue miembro del jurado de los Premios Grammy desde 2001 hasta 2004. Más composiciones del genial músico son El Diablo Colorao, interpretado por la orquesta Puerto RicanPower, al igual que cuatro de los éxitos de Andy Montañez: Todavía No, Amor Ciego, En Mi Puertorro (que es la versión puertoriqueña de Locos Por Mi Habana) y Sacude La Mata, todos grandes éxitos escritos por él. En 2004 el álbum Locos Por Mi Habana fue el disco cubano más vendido en el mundo; un suceso tan irresistible que transformó a Manolito Simonet en una estrella internacional. Sus giras mundiales son innumerables y ha tocado en países europeos como Italia, España, Francia, Dinamarca, Suecia, Bélgica, Holanda, Noruega, al igual que en otras partes del mundo como Japón, Perú, Colombia, Venezuela, México y Estados Unidos.
Emilio Frías, más conocido como “El Niño”, es un cantante y compositor Cubano, nacido en La Habana.
Desde muy pequeño mostró una fuerte vocación por la música, y en particular, por los ritmos tradicionales. Formó parte del movimiento de artistas aficionados, y tuvo la posibilidad de presentarse en diversos festivales en los que obtuvo múltiples lauros. A los 14 años formo su primera agrupación musical con la cual, también recibió un gran premio.
Con 17 años ingreso en la agrupación “Tumbao Habana”, bajo la dirección de Pascual Cabrejas y se dio a conocer como voz principal con el éxito “El Padrino”, canción de su propia inspiración. A los 21 años se unió a la orquesta “El Charangón de Revé”, donde hizo un tremendo derroche de sus aptitudes como sonero y original improvisador. Por aquel entonces Elito Revé lo bautizó como “El Niño”.
En 2012 se juntó con el pianista Pachy Jr., hijo del director de “La Original de Manzanillo”, para grabar varias canciones en solitario que le permitieran experimentar con su propio sonido y satisfacer sus intereses musicales, no con la intención de abandonar su trabajo en “La Revé”. Sin embargo, la respuesta de los aficionados a su música fue tan abrumadora, que en Marzo de 2013 decide marcharse de “La Reve” para comenzar su propio proyecto al que da el nombre de “El Niño y la Verdad”, agrupación con la que defiende géneros, como la rumba, el son, la guaracha y la trova. Integra la guitarra con el clásico rayado del son tradicional y el bongó, además de una armonía que hace única la sonoridad del grupo. El nombre de la orquesta también es la declaración de su misión: crear la verdadera música, basada en los géneros tradicionales Cubanos.
Aisar Hernández Segundo es un músico bajista, compositor y arreglista Cubano, nacido en la provincia de Camaguey. Ha trabajado en grandes orquestas Cubanas como: Maravillas de Florida, un tipo de escuela de graduación para cualquier músico de Camaguey, Juan Carlos Alfonso y su Dan Den y Elito Revé y su Charangón, orquesta de la que fue director musical durante 10 años.
Tiene una agenda con más de 180 composiciones propias y afirma no ser músico por dinero, sino por el deseo de dar emociones positivas a quien escucha su música.
Actualmente lidera la Banda “El Expreso de Cuba” con la que brinda sobre todo buena música Cubana con buenos textos e interesantes arreglos, con mucho sabor, fuerza y cadencia para el bailador.
Sus temas retratan las vivencias del cubano y su alegría. Aisar Hernandez es de la opinión de que un líder debe de tener claro lo que quiere y de lo que él y su agrupación son capaces de hacer. Debe tener confianza en su propuesta y además amor por lo que hace y por sus músicos ya que eso hará que los valore, los respete y cree, o al menos intente crear una familia musical, cosa que es muy importante en el resultado final del trabajo. Si constantemente cambia el personal dentro de la orquesta no se logra conformar una célula firme y sólida y esto afectará en los resultados, e incluso en la sonoridad de la orquesta.
Con una base sólida de influencias de jazz latino y afrocubana, Brenda ha extendido sus alas a la música contemporánea del mundo. Un profesional intransigente, infunde pasión, habilidades extrañas, originalidad musical y energía implacable en cada proyecto y actuación. Desde sus inicios en la Escuela Primaria Manuel Saumell de Música a los 9 años, Brenda Navarrete se fijó en la percusión y en una carrera musical. Se graduó en el Conservatorio de Música de Cuba Amadeo Roldán en 2009, obteniendo acreditaciones como instrumentista, ensayista e instructora de percusión.
Al preguntarle cómo llegó a la música, Brenda Navarrete afirma que fue por culpa de su hermana Melvis Santa. Desde pequeña, ella estudió piano y Brenda la acompañaba tocando con las manos sobre una mesa o sus propias piernas. Un día le preguntó qué quería aprender y sin titubeos respondió: percusión. “Siempre me gustaron los tambores. Comencé a estudiar en la Escuela Elemental de Música Manuel Saumell, aunque mi hermana se empeñaba en encontrar un instrumento más suave porque yo era muy activa y necesitaba algo que me apaciguara. Por poco escojo la flauta pero qué va, no me gustaba”.
Luego pasó al nivel medio en el Conservatorio Amadeo Roldán y en segundo año Joaquín Betancourt la contactó para integrar su Jazz Band. “Entré como percusionista pero el maestro fue la primera persona que me inspiró a cantar. De ahí pasé a formar parte de Obiní Batá, orquesta folclórica femenina, y tiempo después me uní al proyecto Santa Habana, de mi hermana Melvis. Gracias a ella conocí a Robertico Carcassés y hoy pertenezco a su grupo Interactivo”.
Estas experiencias fueron importantes en la carrera de Brenda, sobre todo a la hora de decidir la creación de su propia agrupación. “Colaborar con tantos músicos me ayudó a captar y aprender el estilo de cada uno. Es un gran coctel, por eso soy una mezcla de músicas alternativas.
En 2010, Brenda Navarrete ganó un concurso nacional durante la prestigiosa Fiesta del Tambor de Cuba, ganando el primer premio en la categoría de tambores de Bata, así como para la mejor interpretación de una artista femenina.
Trabajando con una gran cantidad de reconocidos artistas, entre ellos el grupo de percusión afrocubana, Obini Bata, el músico de jazz Joaquín Betancourt, Alain Pérez, Munir Hossn y como cantante de la aclamada banda internacional Interactivo, dirigida por Roberto Carcasses, Brenda ha dejado su marca como un consumado cantante, percusionista, compositor y arreglista. El currículum de Brenda incluye colaboraciones con la élite musical de Cuba. Ha tocado en las grabaciones de muchos artistas cubanos notables, recientemente invitado en Batá y voz en Contumbao álbum del pianista y compositor cubano-canadiense Hilario Duran.
Los muñequitos de matanzas comenzaron en 1952 en el barrio de la Marina en Matanzas, Cuba, cuando un grupo de jóvenes comienza a seguir los ritmos de una canción que Arsenio Rodríguez estaba tocando, usando platos y botellas, como en el estilo de “rumbas de cocina”. La agrupación más importante de Cuba en este género de música contó en sus fundadores a los famosos Saldigueras, Virulilla, Catalino, Gallito, Pellado y Cacha, entre otros.
Han visitado prácticamente todo el mundo y en más de una ocasión Canadá, Estados Unidos, México, Costa Rica, Brasil, España, Italia, Alemania, Puerto Rico e Inglaterra.
Independientemente del trabajo nacional y comunitario que realizan, actúan para el turismo Internacional e imparten talleres de percusión, canto y danza en la Universidad de Matanzas a norteamericanos, daneses, franceses y alemanes. En el propio año 2011 los reconocidos artistas cubanos luego de casi una década sin aparecer por escenarios neoyorquinos, dirigidos por el profesor Diosdado Ramos, realizaron un recorrido por más de una docena de ciudades de Estados Unidos, iniciado el 2 de abril y catalogado como histórico y exitoso.
En el año 2001, grabaron varias obras en el CD La Rumba Soy Yo, que reunió a los mejores rumberos de Cuba en un “All around” de la rumba que obtuvo un Premio Grammy Latino.
Los Muñequitos de Matanzas son parte de una leyenda viviente de la música africana en Cuba y se mantienen apegados a sus raíces Abakwa (Efik/Efo).
Fundado hace casi una década e integrado en su mayoría por jóvenes cultores de la rumba, Timbalaye es liderado por Nelson López Carrillo y cuenta con 16 personas en la escena, entre bailarines, instrumentistas y cantantes.
Se funda el 13 de junio de 2007 en el barrio de Juanelo del municipio capitalino de San Miguel del Padrón, como proyecto comunitario con niños que en aquel entonces tenían entre siete y trece años participando en diversas actividades sociales y políticas programadas por la comunidad. Meses más tarde los acoge la Casa de la cultura de Centro Habana y son audicionados por la Comisión de Evaluación de Artistas Aficionados que les otorga el certificado como agrupación de Primer nivel.
En sus inicios el trabajo se enfocó principalmente en el género folclórico sobre todo rumba la que se pensó en hacerla diferente sin perder la raíz. Es un proyecto que promete, avizora un futuro exitoso, tanto por su calidad musical como por su talento y amor a la rumba.
El grupo Timbalaye lo integran muchachos y muchachas que iniciaron siendo niños y niñas seleccionados por su talento y condiciones como artistas, la mayoría músicos empíricos por herencia familiar. La mayoría descienden de una sólo familia de músicos generalmente profesionales, criados en el mismo barrio, cuyos padres son hermanos o primos.
Su primer disco “Se partió el bate” obtuvo premio Cubadisco en música folclórica, lo cual constituye un estímulo y compromiso para seguir adelante brindando lo mejor de la agrupación según su productor general.
Sin lugar a dudas Timbalaye cuenta en su aval una hoja de servicios envidiable, pese a su condición de adolescentes: varias Ediciones de Wemilere, Casa de la cultura Joseito Fernández y de la Habana Vieja UNEAC, Festival de la Rumba, Festival Cubadisco, Festival internacional Timbalaye y Palacio de la Rumba entre otras presentaciones.
Por demás, se incluyeron en el documental 80 años del Septeto Nacional, y en el álbum La Habana tiene su son (del sello Bis Music, con el Septeto Nacional, que fue nominado al Grammy Latino, por sólo mencionar algunas de sus credenciales.
Ketama
